Ricardo Villalobos : Sonidos de la Hermandad

Ricardo Villalobos : Sonidos de la Hermandad

Por: Crist C.

Uno de los productores más inventivos en la música electrónica tiene sólo una cosa en su mente: Sonido.

Todd L. Burns entrevistó a Ricardo Villalobos antes de su aparición en el Movement de Torino a finales de este mes.

Hablando con Ricardo Villalobos, la conversación inevitablemente volverá a una cosa: Sonido. Villalobos está obsesionado con ello. La calidad más alta en los parlantes, usando cada frecuencia disponible a él en sus producciones, celebrando así los que comparten su pasión por la fidelidad en el audio. Él es una rareza en la edad moderna: Un hombre que no sólo habla de las limitaciones de la música hecha con Ableton y escuchada vía altavoces en los laptors, pero también es uno que activamente hace algo sobre ello.

Sí, Villalobos tiene una posición privilegiada para ser así. Él es uno de los Djs líderes mundiales más grandes. Pero a diferencia de muchos de sus pares, los mitos sobre él son diferentes. Esto no son las distracciones, las entrevistas, las fotos, su comportamiento detrás de bastidores, que es mencionado. Esto es las historias sobre él, tocando jazz en el Room 3 en Fabric o tocando grabaciones subliminales en Cocoon Amnesia. Estas son  el tipo de historias que se cuentan alrededor de los sonidos, saliendo a través de los parlantes.

Aquella música, en especial su propia, ha sido celebrada de todas las esquinas. Y pronto puede ser aún más. En una entrevista reciente, Villalobos habló de la transición de la música dance en los próximos diez años, y se enfocó en cosas como el jazz y las bandas sonoras, su proyecto actual, en colaboración con Max Louderbauer and Will, su trabajo con elementos del sello de jazz ECM.

Cuando nos encontramos en su estudio de  Berlín, un piano sonaba suavemente en sus parlantes, ahí conversamos sobre sus djs set, Sei Es Drum y  desde luego, El Sonido.

Quiero preguntarte primero sobre el documental acerca de ti, que recientemente se estrenó en Venecia. ¿Por qué decidiste hacerlo?

El director de la película, Romuald Karmakar, es probablemente el mejor documentalista en toda la Alemania. Por eso, si alguien como él te pide hacer una película, esto es una seria observación de lo que está pasando, entonces tu no puede decir no. [risas]

Hablando de película, recientemente ví una entrevista en donde tu hablabas un poco de la eventual transición de la música dance en las pistas de baile, en otras áreas, incluyendo el trabajo en banda sonora. ¿Has hecho algo ya de ésto?

Berlín: Sinfonía de una gran ciudad. Es una película de 1927, y hemos hecho alrededor de una hora de música nueva para poner de fondo. Eso fue muy agradable, y ahora estamos haciendo música para otra película de un director local.

¿Encuentras que estas trabajando de manera diferente cuándo estas haciendo trabajos como estos?

No. Es el mismo enfoque. Trabajar con imágenes es, por supuesto, otro desafío.

¿Sientes que necesitas desafiarte?

Por supuesto que no. Me siento así todas las mañanas. [risas] para mi siempre tiene que ser un desafío. Mi mayor reto es llegar a la calidad del sonido en las grabaciones de instrumentos acústicos con electrónicos. Es por eso que tengo el sistema modular y cosas así. El objetivo es utilizar todas las frecuencias, toda la gama.

La música electrónica está aún muy lejos de las grabaciones acústicas, el hombre detrás del instrumento, el hombre que ha desempeñado durante 40 años, el tipo que se mezcla todo, la colocación de los micrófonos , todo tiene su historia. Al igual que una grabación de jazz. [se convierte en estéreo] Hay una habitación increíble, un ambiente increíble en una grabación analógica pura. Es increíble. Todos los días, ese es mi objetivo. Para llegar a esta riqueza.

Ése debe ser el objetivo de cada músico electrónico, ya que el diseño de sonido de poner una frecuencia de aquí y otra acá, separar todas las frecuencias. Es lo único que podemos hacer. Es nuestra expresión.

Tu hablaste bastante poco de la calidad del sonido cuando te hicieron  entrevistas acerca de tu disco Fabric  ¿Piensas que las cosas se han mejorado desde entonces?

No. Creo que el desarrollo va en la dirección opuesta, porque todo el mundo está haciendo pistas en programas como Ableton, que tiene un motor de sonido aceptable. Cuando empecé a hacer música hace 20 años, tenía que comprar al menos una mesa de mezclas, a continuación, algunos sintetizadores, una batería electrónica, que es la mejor calidad posible de un sampled. Había una pureza de la fuente de la música. Era analógica, directa. Ahora tu tienes millones de fuentes, millones de estos programas y, especialmente, algunos programas como Reaktor o Ableton que están completos. Tienen todos estos instrumentos virtuales que son calculados por una computadora, y  tienes un espacio determinado donde tienes que poner todo. Y cuando quieres salir de este espacio, tienes que vivir con los compromisos, los compromisos de mezclas y grabaciones digitales.

Cada uno en este momento piensa que estas son cosas buenas. Sobre todo en este momento con la desaparición de los sellos y toda la gente que alguna vez ayudó a decidir si un disco sale o no, el gerente de un sello, el amigo del sello, el diseñador, desaparecieron. La gente encuentra fácil publicar algo sin ningún control. Y esto es el problema con la Internet en general. Hay tanta información, y nadie sabe si es verdadero o no. Está solamente allí. Esto es el monstruo de la información.

¿Por qué crees tu que, con las infinitas posibilidades que permitió ello, los productores no llegan a salir de estos programas?

La cosa es que tú tienes la limitación del programa, la limitación de la mezcla digital que está ocurriendo dentro de la computadora, tienes la limitación de las fuentes de sonido de los sintetizadores, los sintetizadores virtuales. Incluso el motor de sonido tiene un rol muy importante en todo el sonido del producto. Si tu tienes buenas tornamesas y buenos parlantes, se puede oír que se hizo en Ableton. Por ejemplo, es muy neutral en el sonido con Ableton …se puede escuchar en dos segundos.

Reboot recientemente sacó una pista sobre Sei Es Drum. He oído que hay una historia muy interesante detrás de ella. ¿Puedes decirme un poco sobre cómo llegó a salir?

Todas las grabaciones que salen de Sei Es Drum salen porque tienen que salir. El material que sale en el sello no necesariamente tiene que ser un producto altamente electrónico. Se trata de productos para la gente, para todos. Estamos tocando un montón de pistas antes de su publicación. La mayoría de ellos no se publican, de hecho. Contamos con una red de amigos, algunos DJs de Rumania, algunos DJs de Alemania que tienen estos temas y los tocan. Y de pronto es evidente cual tema tiene que salir. Esta pista  necesariamente salió.

El tema de Reboot se hizo cuando él estaba en América del Sur. Se reunió con algunos de mis amigos en Sao Paulo, y le dieron un CD de música popular brasileña. Una de las canciones fue escrita por un tío mío, Geraldo Vandr, el  estaba casado con la hermana de mi padre. Era una canción de protesta en Brasil contra la dictadura en el poder, se fue a la cárcel después de tocarlo. Una brasileña llamada Simone fue la primera persona a cantarlo después de varios años, y aunque era un poco riesgoso para ella, hizo un cover. Fue durante un programa de televisión, de modo que la grabación no es muy buena, pero tiene mucho de la atmósfera.

Reboot tuvo esta canción por casualidad en un CD, y se enamoró de ella e hizo un tema en la Argentina. Dos días más tarde nos reunimos en un hotel en otra ciudad de la Argentina y hemos tocado entre sí algunas pistas. Cuando él dijo que mis amigos le habían dado este CD, y que él había hecho algo, yo sabía que este era el tema.

Así que empezamos a tocar este tema, y siempre ha sido devastador. Pero no pudimos llevarlo a cabo porque no podía contactar a mi tío. (Se separó de mi tía, y ella había muerto hace diez años.) Sin embargo, decidimos realizarlo de todos modos. Puse su nombre en él, y ahora por fin estamos financiándonos con el sello. Sin embargo, no es algo que hacemos para ganar dinero. Sacar el tema en vinilo en estos días es una cosa romántica. De lo contrario nadie lo haría más.

En el otro lado de ese vinilo, hay un tema tuyo junto con Jorge González. Es alguien con quien has trabajado bastante frecuente últimamente. ¿Cuándo lo conociste?

En 1993

Desde ese entonces, ya era una gran estrella del pop en Chile.

Todavía lo es. Cada vez que sale al escenario allá, toca dos o tres días en estadios que están completamente llenos.

¿Cómo es trabajar con él?

Muy especial, es hiper-inteligente. Muy espontáneo, súper creativo. Es muy agradable trabajar con él, y es un desafío también. Me encanta su voz.

¿Por qué es un desafio trabajar con él?

Porque siempre es un reto trabajar con alguien que está haciendo algo muy bien, y lo ha estado haciendo durante los últimos 30 años. El tiene la certeza de conectarse con todos, ciertamente en América del Sur, él es una gran estrella del pop.

¿Te resulta extraño que tengas un contenido  extra-musical añadido a tus pistas, no te preocupa ello?

No, en absoluto. Para mí, la idea de que la música electrónica no es política, es una mierda. Cada movimiento, si es de más de dos personas-es política, en cierto modo. Cada interés común donde hay una conexión, es un asunto político. Y usted tiene una responsabilidad política. El sonido, el enfoque artístico, el contenido del texto, si tocas una sirena en tu set, algunos predicadores árabes, algunos de música clásica de Bach, todo va a polarizar a la pista de baile en un segundo. Todas estas cosas son políticas.

¿Tiene momentos no productivos en el estudio? ¿Te bloqueas?

Por supuesto. Pero entonces escucho música. Para mí, este estudio es mi escape de todas las responsabilidades. El estrés fuera de este mundo comprimido. Si no estoy grabando algo, entonces estoy escuchando música.

¿Estás escuchando mucha música electrónica en tu tiempo libre?

No. Si la música electrónica es interesante, entonces por supuesto que lo escucho. Pero en comparación con todo lo demás, no es muy inspirador. Para escuchar música electrónica inspiradora, tienes que conocer a la persona, entonces tienes un enfoque diferente de la música, entonces tienes una situación muy agradable a veces después de un concierto privado, entonces tienes un acercamiento agradable a la música electrónica que está más allá de la pista de baile. En la pista de baile, todo lo que se escucha está relacionado con la música de la pista de baile. La mayoría de las veces, cuando toco con algunos de mis amigos, hay un muy interesante intercambio de música. Pero en privado, escucho más música clásica y jazz.

Has mencionado lo de tocar con amigos. Tú tocas  back-to-back con toneladas de diferentes personas.

Me encanta. Todo el tiempo tengo discusiones sobre el back-to-back. Por supuesto que es diferente tocar back-to-back cuando uno toca solo. Cuando tocas solo, sabes tus 20 movimientos de ajedrez que vienen, pero es un enfoque diferente. Back-to-back significa que compartes un momento agradable.

Me encanta tocar de back-to-back en el cierre de las fiestas, la apertura de las fiestas, fiestas especiales, after hours. Porque si tu estas en esta situación especial, ¿por qué no compartirlo? ¿Porque soy un gran DJ estupido que quiere tocar solo? He estado tocando solo durante 25 años, así que creo que es estúpido no compartir la situación. Algunas personas vienen a mí y me dicen, “Oh, tú eres un poco más flojo ahora.” Pero eso no es absolutamente el caso. Por supuesto que puedo tocar solo, como siempre. Sin embargo, el back-to-back es como tocar en una banda. Y cuando tienes más puntos de vista, la fiesta se vuelve más colorida.

¿Quién te sorprende más cuando tocas de back-to-back? ¿Quién está sacando temas que no conoces?

Los rumanos, Rhadoo, Raresh, Pedro, porque están estudiando todo el tiempo. Llevan a cabo cosas nuevas de los viejos tiempos que no conocía por primera vez. Para las situaciones de la fiesta, Luciano es bastante agradable. Pero es más como una cosa hermandad, le entrega esa actitud alegre. Se supone que se debe sorprender todo el tiempo, sin embargo, de lo contrario uno pierde el interés.

Con Richie [Hawtin] fue súper agradable al principio. Sobre todo cuando hemos tenido un enfoque diferente, y nos funden juntos. En algunas situaciones, sería divino. Pero a veces también era una situación muy artificial. Tuvimos que tocar juntos, bla, bla, bla, bla. Pero, tú sabes, que él está dando pasos tecnológicos con su equipo y sus cosas, y yo todavía estoy tocando discos. Así que a veces la sincronización entre el computador y los discos resulta difícil.

Estábamos programando tocar con Robert Johnson hace poco, pero no se pudo hacer ya que alguien robó mis discos. Sin embargo, siempre es interesante tocar con él.

Hace poco hablé con algunas personas en Fabric, y me dijeron que eras unos de los primeros DJs que tomó ventajas del sistema de sonido ¿Qué crees que quieren decir con eso?

Por supuesto que no sé, porque yo no estaba allí para saber en el contexto en que se dijo. Pero la cosa sobre Fabric es que es uno de los pocos clubes que, cuando entras la primera vez, te das cuenta de que el sonido es el principal instrumento que puedes utilizar en el club.

Allí hay un tipo que va chequeando la medición promedio de la frecuencia en la noche. Él va al escenario, pulsa un botón y la frecuencia desaparece, y no hay más comentarios. Es el mejor sonido que he oído en un club. Cuando vas allá, es inmediata la motivación para tocar todo tipo de cosas diferentes.

Obviamente Cocoon en Amnesia tiene esa la motivación para ti también.

Por supuesto. Dentro de los límites de Ibiza, lo que significa restricciones, las peleas entre las diferentes discotecas Mafioso es increíble. Todos los lunes tienes seis o siete mil personas, y tú estás de pie, como un niño pequeño al final de este tubo. Tú recibes un flash de energía en tu cuerpo cuando tocas allí. Para cada DJ, no importa cuánto tiempo lleves tocando.

¿Todavía consigues eso?

Cada vez. Pero no me ocurre sólo a mí. Le pasa a todo el mundo que toca allí. En Japón, hay muchos clubes de alta calidad. Y también Barraca en España. Es un club de 43 años de edad que ha pasado a través de muchas generaciones diferentes. Es el mejor club de España, aunque se enfrenta a todas las restricciones, como en Ibiza. Y luego en Berlín, en general tienen el sonido rotten industrial, de modo que el sonido no es muy bueno en general. El Berghain tiene un sonido muy bueno, porque los techos son muy altos, y los parlantes están muy concentrados. Es lo contrario en Panorama Bar, donde el sonido es muy reflexivo. La habitación es lo más importante para el sonido, después  los parlantes. El rol 20 o más es el del DJ. [risas]

Fuente: www.residentadvisor.net